Paul Caponigro

Embora ele tenha se interessado por fotografia aos treze anos, ele também tinha uma forte paixão pela música; ele estudou na Boston University College of Music em 1950 antes de decidir focar exclusivamente na fotografia na California School of Fine Art, onde Ansel Adams havia criado um dos primeiros cursos de fotografia nos Estados Unidos.

Redding Woods, Connecticut 1968

Apesar da mudança da música para a fotografia no início de sua carreira, Caponigro continuou sendo um pianista dedicado, acreditando que seu treinamento e visão musical influenciam suas imagens fotográficas.

Ardara Dolmen, County Donegal, Ireland 1967

Caponigro é mais conhecido por seu interesse em formas naturais, paisagens e naturezas mortas. Seus temas incluem Stonehenge e outros megalitos celtas da Inglaterra e Irlanda; os templos, santuários e jardins sagrados do Japão; e a profunda floresta mística da Nova Inglaterra.

Stonehenge 1972

Teve sua primeira exposição individual na George Eastman House em 1958 e seu trabalho foi exibido em inúmeras exposições ao redor do mundo. Ao longo da década de 60, ele foi professor na Universidade de Boston, enquanto prestava consultoria em vários projetos de pesquisa técnica para a Polaroid Corporation. Ele recebeu duas bolsas Guggenheim e três bolsas do National Endowment for the Arts (NEA). Em reconhecimento a uma carreira de quase 70 anos e uma contribuição significativa para a arte da fotografia, Caponigro foi premiado com a Medalha do Centenário da Royal Photographic Society e com a bolsa honorária em 2001.

Tea Bowl and Shell, 2002

A categoria “Citações Inspiradoras” é dedicada aos fotógrafos do mundo inteiro, de todas as épocas, de grande expressão mundial, responsáveis por contribuir para que a fotografia se tornasse o que é hoje.

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Dorothea Lange

Com a Crise de 1929, provocada pela quebra da Bolsa de Nova York, Dorothea passou a fotografar as ruas. Seu talento nato aliado à sensibilidade fotográfica chamou atenção de fotógrafos mais experientes, o que a levou trabalhar para a FSA, programa criado para promover o desenvolvimento de áreas agrícolas americanas.

Em 35, casou-se com o seu segundo marido, Paul Taylor Schuster. Taylor orientou Dorothea nas questões políticas e sociais. Juntos, documentaram entre os anos de 35 e 39 a pobreza rural, o sofrimento dos pobres, dos esquecidos, dos desempregados e a exploração de trabalhadores imigrantes nos Estados Unidos. Suas imagens eram distribuídas gratuitamente a jornais de todo o país, tornando-se fortemente representativas da época.

A fotografia mais conhecida deste período é a “Mãe Imigrante”, um dos mais icônicos registros da história da fotografia, retratando uma imigrante com três de seus sete filhos. É o símbolo do pior e mais longo período de recessão econômica do século XX.

Suas imagens denunciam o preconceito, como exemplo, a situação dos japoneses após o ataque a Pearl Harbor. As fotografias desse episódio foram tão criticadas que o exército as confiscou. Hoje elas estão disponíveis no site do arquivo nacional do país e na Biblioteca Bancroft, da Universidade da Califórnia.

Hoje, mais de cinco décadas após sua morte, sua obra é cada vez mais celebrada e estudada nas universidades do mundo todo. Representam uma fotografia com crítica social, um talento para poucos: o de enxergar além da própria existência.

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Destin Sparks

A paixão de Sparks pela fotografia e pela Mãe Natureza foi descoberta em 2009. Apesar de ser totalmente autodidata, Sparks é um fotógrafo de paisagens talentoso e muito premiado. Sua fotografia tem chamado a atenção da mídia internacional. Sparks está sempre em busca de locais exóticos ao redor do mundo.

Cada uma de suas imagens excedem o equivalente a 100 megapixels, resultando em obras de arte que podem ser impressas com muitos metros de comprimento. Naturalmente isso atrai o mercado de arte corporativa que busca licenciar imagens de ultra alta resolução, além de colecionadores particulares.

Sparks também ensina a arte da fotografia de paisagem por meio de workshops e passeios fotográficos. “Por meio do Instagram e da mídia social, construí um público fiel de aspirantes a fotógrafos. Me traz uma grande alegria partilhar conhecimento com aqueles que curtem a minha fotografia de paisagem.”

Para acompanhar o trabalho de Destin Sparks, entre em seu perfil no Instagram: https://www.instagram.com/destinsparks/

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Ansel Adams

Atraído pela beleza dos monumentos naturais, ele é considerado pelos ambientalistas como um monumento, e pelos fotógrafos como uma instituição.

North Palisade from Windy Point (1936)

É por meio de sua visão e coragem que grande parte da América foi salva para os futuro.

Boulder Dam, 1941

Evening, McDonald Lake, Glacier National Park (1942)

The Tetons and the Snake River (1942)

Em 1943 e 1944, Ansel Adams documentou um dos capítulos mais sombrios da história americana, o encarceramento de cidadãos nipo-americanos durante a Segunda Guerra Mundial. A exposição resultante no Museu de Arte Moderna, intitulada “Born Free and Equal”, foi recebida com considerável controvérsia, causando o fechamento da exposição e a destruição dos livros relacionados em 1945.

Born Free and Equal

Ansel Adams foi um homem amigável e extrovertido que inspirou muitos por meio de seu trabalho e compromisso com a fotografia e a conservação.

Sierra Nevada, Winter Evening 1963

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Alfred Stieglitz

Em 1905, com Edward Steichen, ele fundou as Little Galleries of the Photo-Secession na 291 Fifth Avenue em Nova York, que mais tarde ficou conhecida simplesmente como 291.

The Last Joke, Bellagio, 1887

Ele elevou o status da fotografia ao nível de pintura e escultura por meio de inúmeras exposições pioneiras que ele mesmo organizou.

The Terminal – 1893

Stieglitz foi um dos fundadores dos movimentos de fotografia Photo-Secessionist e Pictorialist nos Estados Unidos e os promoveu em Camera Notes e Camera Work, os influentes jornais que ele fundou e editou. Suas primeiras fotografias eram de estilo pictorialista.

Alfred Stieglitz – Venetian Canal (1894)

Em seu último trabalho, Stieglitz se aprofundou em alguns temas, incluindo a cidade de Nova York, os estudos de nuvens que ele chamou de “Equivalentes” e uma série de retratos de sua esposa, a pintora Georgia O’Keeffe. Stieglitz trabalhou incansavelmente por meio de seus esforços como fotógrafo, colecionador, curador, escritor e editor, para garantir o papel da fotografia como meio legítimo de belas-artes.

Georgia O’Keeffe

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Alfred Eisenstaedt

Em 1929, ele recebeu sua primeira missão que lançaria sua carreira profissional – a cerimônia do Prêmio Nobel em Estocolmo. De 1929 a 1935, ele foi fotojornalista em tempo integral para a Pacific and Atlantic Picture Agency, mais tarde parte da Associated Press, e contribuiu para a Berliner Illustrierte Zeitung e outras revistas de fotografia em Berlim e Paris.

Albert Einstein and World Federalist Cord Meyer in conversation, Princeton, NJ

Em 1935, ele foi para os Estados Unidos, onde trabalhou como freelancer para a Harper’s Bazaar, Vogue, Town and Country e outras publicações. Em 1936, Henry Luce o contratou como um dos fotógrafos da nova revista LIFE. Eisenstaedt permaneceu na LIFE por 40 anos e atuou como fotojornalista até os 80. Em 1988, ele foi homenageado com o prêmio Infinity Master of Photography do ICP.

Marilyn Monroe

Eisenstaedt estava entre os pioneiros no uso da câmera de 35 milímetros no fotojornalismo. Ele também foi um dos primeiros devotos da fotografia de luz disponível (sem flash).

Athletics teachers on the island of Hiddensee near Rügen

Ele era um dos preferidos dos editores, não só pelo seu olhar rápido, mas também pela capacidade de tirar boas fotografias de qualquer situação ou acontecimento. Seu olhar sem julgamento, mas muito perceptivo, e sua facilidade com a composição, tornaram suas fotografias documentos memoráveis ​​de sua época, tanto histórica quanto esteticamente.

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Enquanto estava envolvido com a Liga, Siskind fez algumas de suas fotografias documentais mais conhecidas, mas teve um desentendimento com a Photo League em 41. Na época, seu trabalho estava assumindo um enfoque novo e mais abstrato, como fica evidente em Tabernacle City, uma série de fotografias que retratam a arquitetura vernácula do condado de Bucks, na Pensilvânia. A exibição destas fotos na Photo League causou muitos protestos de seus membros.

Facades – 1938

Siskind deixou a Liga e encontrou apoio entre Mark Rothko, Franz Kline e outros pintores, que reconheceram um alinhamento entre seu trabalho e o deles. As fotografias de Siskind foram amplamente exibidas e ele ganhou muitos prêmios, incluindo uma bolsa Guggenheim e o Prêmio de Fotografia Distinta dos Amigos da Fotografia.

Wishing Tree. c. – 1937

Siskind foi instrutor de fotografia no Instituto de Design de Chicago e atuou como chefe do departamento de 61 a 71. Suas fotografias abstratas do final dos anos 40 e início dos anos 50 ajudaram a desenvolver a arte de vanguarda na América.

Martha’s Vineyard 11 – 1950

Ao rejeitar a terceira dimensão, seu trabalho desmentiu a noção de que a fotografia estava ligada exclusivamente à representação. O trabalho de Siskind serviu como um elo inestimável entre o movimento documental americano dos anos 30 e a fotografia mais introspectiva que emergiu nos anos 50 e 60.

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Auto Retrato – Cunningham, 1933

Após ter trabalhado durante dois anos como associada de E. Curtis, resolveu ir para a Alemanha estudar química aplicada à fotografia. No seu regresso aos Estados Unidos da América, em 1910, abriu o seu estúdio de fotografia, essencialmente dedicado ao retrato, em Seattle. Influenciada por Käsebier, realizou fotografias bem ao estilo pictórico, especialmente cenas inspiradas em textos literários.

Sonho -1910

Nos anos 20, iniciou uma série de imagens fotográficas de plantas e flores que se caracterizavam pelos seus grandes planos e por uma grande precisão na maneira como eram executadas.

Fotografia de uma Planta Suculenta

Em 1932, Cunningham foi membro fundador do célebre grupo f:64, juntamente com E. Weston e Ansel Adams, entre outros, em São Francisco. A liberdade de espírito que caracterizava Imogen Cunningham levou-a a experimentar diversos processos fotográficos.

Rolleiflex usada por Cunningham

A partir de 1974, iniciou uma série de retratos de pessoas mais idosas do que ela (que nesta altura contava já 91 anos. Essas imagens viriam a ser publicadas após a sua morte sob o título After Ninety (Depois dos 90).

Meu Pai – After Ninety

Bolseira da fundação Guggenheim em 1970, nomeada Artista do Ano em 1973 pela S. Francisco Art Comission, Imogen Cunningham expôs nos principais museus e galerias dos Estados Unidos da América.

Morreu em 1976, em São Francisco, EUA.

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